Testi

 
 

Carl Philipp Emanuel Bach

Nani sulle spalle dei giganti

Ecco come Bernard De Chartres amava ricordare ai suoi contemporanei il loro debito con gli antichi. "... E questo, non perché la nostra vista sarebbe potente o la nostra taglia vantaggiosa, ma perché siamo consumati ed esaltati dall'alta statura dei giganti. "
Figlio del grande Johann Sebastian Bach, il secondo di una famiglia che ha quattro importanti protagonisti della musica nel diciottesimo secolo, Carl Philipp è un nano. E la sua anomalia non è fisica, anche se i suoi ritratti non gli lasciano un'immagine molto lusinghiera ...
La sua anomalia è temporale, cronologica. Avendo vissuto tra due periodi artistici perfettamente completati, il barocco e il classicismo, Carl Philipp ha ammirevolmente approfittato di questo strano destino che era suo, dando vita a uno stile unico, raffinatezza e sensibilità estrema, capace tradurre i tormenti esistenziali di una società morente.
Dietro di lui il barocco, il cui padre è l'ultimo e il più grande degli apostoli; prima di lui, il Classicismo, il cui fratello minore, Johann Christian Bach, è l'angelo araldo.
Chiaramente deve tutto a suo padre. Come uomo grato e coraggioso allo stesso tempo, sa come liberarsi dalla sua autorità travolgente, senza negarlo. Forgia una nuova estetica, una nuova serie di canoni, le cui origini barocche sono evidenti, ma che traducono un pensiero molto diverso. Pensiero travagliato, parole sfumate, impulsi e cadute vertiginose, un'intimità, una solitudine che non sono più barocche e che non saranno mai classiche; un'estrema raffinatezza, un gesto prezioso; un desiderio
assoluto, sconosciuto; un desiderio di vagare senza meta, che non troverà mai il loro posto nella nascente nuova società.
Il barocco è una fonte secca, una nuova era è nata: il classicismo ha la freschezza di epoche ricche e spensierate, di un boom economico del dopoguerra, che solo una giovane generazione che non ha vissuto i tormenti della fine del regno può vivere pienamente. Carl Philipp è già troppo vecchio, si ritrova intrappolato tra due capitoli della storia. Per capire la portata del suo lavoro, sarà necessario saltare una generazione, perché non è il Classicismo, ma piuttosto l'Empfindsamkeit - Style Sentimental, di cui Carl Philipp è il principale rappresentante - che solleva le premesse del Romanticismo. E se in letteratura non si hanno problemi a riconoscere questa filiazione, nella musica si esita ancora a vedere in Carl Philipp il padre spirituale di Beethoven e l'annunciatore, di cui, circa cinquant'anni dopo la sua morte, sarà il grande romanticismo tedesco.
 
 

Handel

Innumerevole creatore, vera fonte di creatività, Handel incarna meglio di tutti i suoi contemporanei l'anima del suo secolo. Questo nativo sassone di Halle, figlio di un chirurgo, vagò per l'intera Europa per il resto della sua vita, lavorando su una sintesi di culture e stili musicali senza precedenti nella storia della musica. Un prolifico compositore, lascia una traccia ineffabile nelle menti dei suoi contemporanei e diventa, nel corso dei secoli, il vero simbolo dei generi musicali in cui si esercita il suo genio.
Se uno può entusiasmare per una passione di Bach o essere elettrizzato e turbato da un'opera mozartiana, si può dire che Handel è l'opera e Handel è l'oratorio. È fondamentale tenere a mente questi due pilastri della produzione del grande maestro di Halle, che lo accompagnano per tutta la sua lunga vita e i suoi viaggi in Europa, e sono la fonte di ispirazione per tutta la sua musica. .
Se si prende sempre Mozart come l'esempio del compositore che rompe le catene della servitù e quindi annuncia la stagione romantica con la sua vita indipendente e libera, Handel lo precede in questa scelta. Si distingue così dai suoi contemporanei Bach e Scarlatti, ma non fa pubblicità fino ad ora al gran numero di maledetti geni che moriranno un secolo dopo a malapena trent'anni, portati dalle contingenze di una vita che li voleva punire con un Enorme hybris
Possiamo facilmente vedere in Handel una specie di Casanova tedesco, un luterano di Da Ponte. In lui visse lo spirito del diciottesimo secolo, bruciando in lui la fiamma dell'Illuminismo, la sete di viaggiare, la fame di innumerevoli esperienze, il libertinaggio musicale, la temerarietà artistica, che lo portarono a viaggiare in gran parte del mondo. Europa e vivere e lavorare in molte città, come Amburgo, Firenze, Roma, Dublino e Londra, lasciando in ognuno di essi un ricordo che secoli non hanno mai cancellato.
A Roma, il giovane protestante viene accolto dagli amanti della musica cardinale con gli onori riservati a un giovane messia e presto si guadagna il soprannome di Caro Sassone (il caro sassone). A Londra, diventa l'apostolo di una nuova storia musicale, che fu Lully per la musica francese un secolo prima. E questo ruolo, la posterità ha fatto per lui esportarlo in tutto il mondo anglosassone: è sufficiente entrare in una chiesa nel Kent una domenica mattina o partecipare ad un culto in qualsiasi tempio del New World per realizzare facilmente il luogo che detiene ancora questo gigante nella vita quotidiana di colui che ignora fino alla sua esistenza.
Handel non era solo un compositore, ma come ogni musicista dell'epoca sapeva suonare diversi strumenti, ed eccelleva nell'organo, nel clavicembalo e nel violino. Resta ancora famoso il suo duello con scale, ottave, tirate e altre virtuosismi con Domenico Scarlatti, in cui il sassone viene dichiarato vincitore sull'organo senza cedere al clavicembalo, essendo giudicato alla pari con l'italiano. O quando, ancora a Roma, snervato in pieno concerto dall'incapacità di Corelli di realizzare sul campo una delle sue richieste, si strappa il violino dalle mani e inizia a suonare al suo posto. Quanti aneddoti come tratti caratteriali ... un personaggio dignitoso e riservato, placido nella sua vecchiaia, una forza silenziosa, ma che nella sua giovinezza poteva accendere la passione o scoppiare di una rabbia spaventosa, e che sempre tinto di un umorismo fine e corrosivo. Il genio di questo maestro, è stato detto sopra, ha per punti cardinali l'opera e l'oratorio, che sono fondamentalmente solo due lati della stessa moneta e che a volte possono essere confusi. La cantata e l'ode completano questa bussola che consente al compositore, ovunque si trovi, di posizionarsi correttamente in relazione al suo essere più intimo. Anche quando scrive concerti grossolani o sonate per violino, quest'uomo respira la vocalità e l'espressione teatrale. C'è, a mio parere, la stessa differenza tra Bach e lui come tra Wagner e Verdi. Il primo integra la voce nel tessuto orchestrale e si può sostituire il soprano con un violino, il tenore con un corno inglese, senza soffrire troppo dal cambiamento; il secondo vibra al suono della voce umana. Alcuni costringono le voci a diventare strumenti musicali; gli altri fanno cantare gli strumenti come esseri umani.
Forse è questo tratto caratteriale che è in parte l'origine della differenza abissale, che generazioni di musicologi, musicisti e critici si sono dati la gioia di evidenziare, che esiste tra la musica per la tastiera di Bach e la tastiera di Handel? Ma, in quel momento, perché non affrontare le opere di Handel con Bach?
Handel, virtuoso come lui, non ha mai dato un altro posto alla sua musica per tastiera, con poche eccezioni, rispetto a quella dei circoli privati dei suoi amici, e alle lezioni di clavicembalo che ha dato alle ragazze tu re d'Inghilterra. Se lui stesso ha seguito la pubblicazione di un singolo volume di musica per clavicembalo, quello del 1720 in cui sono contenute le otto grandi suite, è probabilmente in reazione all'apparizione, l'anno precedente, di un pubblicazione pirata parti ha riservato per uso proprio e che non erano affatto fuori del cerchio interno dei suoi amici e protettori.
la sua musica per clavicembalo, la genesi delle parti, il loro posto nella vita del compositore e la loro data di composizione rimane avvolta nel mistero. Durante la sua vita solo tre volumi sono pubblicati e solo uno di loro riceve il permesso dall'autore. Oggi abbiamo ancora una ventina di suite, lezioni e altri pezzi per il clavicembalo. Scritto in momenti diversi della sua vita, alcuni quando non aveva ancora vent'anni e viveva ancora in Germania, gli altri a Londra intorno al 1717, sono mescolati in un corpus che Handel riesce a dare una coerenza e che sa come sfruttare. Se queste opere non sono state create con la stessa cura di quelle di Bach per le sue Variazioni Goldberg o la sua Arte della fuga, non sono mai inferiori a loro in termini di freschezza, inventiva, espressione e sensibilità. . E il genio di Handel è in grado di sposare non solo l'ispirazione di due periodi molto lontani dalla sua vita, ma anche diversi stili che mescolano e diventano sotto la sua penna un'unica voce. Quando pubblicò le otto grandi suite nel 1720, ha già viaggiato molto e imparato da tutti i paesi in cui è rimasto: è quindi in grado di scrivere una suite, dove un Adagio di ispirazione italiana prende i colori dell'alba . sul Tamigi, dove i francesi la velocità attuale è costruito come un solido cattedrale tedesca
Ma ciò che scrive, canta Haendel e ricattato il clavicembalo nelle melodie struggenti e adagi adornava la Corelli nelle danze francesi, nelle severe fughe tedesche, nelle lezioni di Purcelliano dove sa come far rivivere l'ineffabile immediatezza inglese.
La conseguenza logica di questo particolare talento, che lui stesso non era in grado di impedire, è che i suoi contemporanei cominciarono a trascrivere le sue opere solo per il clavicembalo.
Così, il caro e fedele amico e allievo William Babell scrive trascrizioni dei brani più famosi del maestro con un certo successo e non senza talento. Virtuoso se stesso e conoscitore della musica uomo chiamato George Frideric, sulla sua maestà il re d'Inghilterra, può trasformarsi lunghe linee vocali handeliens brani in palpitazioni digitali senza che nessuno perdere la carattere essenzialmente lirica di questa musica, nelle arie più lenti ed espressivi come nel più selvaggia e virtuosi.
nel ciclo monumentale affresco che è l'opera di Handel, dove la storia del mondo dalle sue origini è dipinto a grandi linee, le sue suite per clavicembalo sono come un libro di ore, il lavoro meticoloso e raffinato di un illuminatore. Il profeta è diventato un artigiano per un giorno.
Quindi, se siete abituati a contemplare le sue opere lontano per vederli nella loro interezza, senza farsi ingannare dai riflessi scintillanti di un colore o di spessi strati di vernice, sembrerà qui e vegliate così da vicino che nessun dettaglio ti sfugge da questa leggenda del mondo in miniatura, questa Bibbia della vita quotidiana, dipinta con foglia d'oro e polvere di gemme.
 
 

Schubert

Sonata in Sol maggiore D.894
Molto moderato e cantabile

« Less is more » diceva Mies van der Rohe. Forza creatrice di spazio, linee che aprono orizzonti infiniti ; la capacità di evocare spazi immaginari nella mente di chi guarda, grazie alla purezza e alla semplicità delle linee.
Ecco, io paragonerei il movimento iniziale della Sonata in Sol maggiore agli edifici di van der Rohe, e il suo motto mi sembra calzare perfettamente alla cornice formale di questo brano.
Ci si è chiesti in questo seminario se l’analisi dei brani apportasse qualcosa all’esecuzione. Sembra una domanda retorica eppure non lo è. Ci sono infatti dei casi in cui un’analisi tecnica e musicale, oltre che estetica, aiuta non solo l’esecutore ma l’ascoltatore ugualmente. Succede per molti brani di Brahms, nei quali il tessuto compositivo è così ricco che ad un primo ascolto si percepisce una minima parte di questa ricchezza.
Non è il caso di Mozart, a volte. In molte sonate per pianoforte, ad esempio, sapere che lo sviluppo si basa essenzialmente su materiale preso dalla codetta dell’esposizione, davvero non aggiunge nulla alla fruibilità della musica.
Nel caso di Schubert, e specialmente delle ultime composizioni (di cui questa però non fa propriamente parte), un’analisi tecnica, testuale ed estetica, che spazi e esplori tutti gli aspetti legati alla musica in modo più o meno diretto, è fondamentale.
È interessante notare come la forma, cioè la struttura forma-sonata, di questo movimento, sia assai semplice, quasi scontata. Prevede un’esposizione con due gruppi tematici contrastanti, il secondo dei quali alla dominante; uno sviluppo in cui il contrasto dei due temi si fa più aspro e da contrapposizione armonica e strutturale, si trasforma in contrapposizione psicologica fra due entità, due stati d’animo apertamente in contrasto e inconciliabili fra loro ; e infine una riesposizione, quasi identica all’esposizione, in cui l’aspra lotta dei due gruppi tematici nello sviluppo è risolta e torna alla normale calma, in cui anche il nero episodio in si minore dell’esposizione scompare, non trovando più posto nella serenità ricomposta della riesposizione. Una breve coda conclude il movimento.
Se dunque la struttura architettonica del movimento non suggerisce la complessità di questo; la sua ricchezza, la sua modernità saranno invece messe in rilievo da un’analisi estetica e psicologica del brano. Non si tratta di costruirci sopra una storiella. In questo brano più che la letteratura, il teatro, sono la pittura e la poesia, le arti che, per sinestesia, ci possono aiutare ad avvicinarci al suo contenuto.
Se proviamo a immaginarlo non come un primo movimento di sonata, ma come una fantasia, termine utilizzato dallo stesso editore, possiamo forse avvicinarci più facilmente alla sua essenza.
Come abbiamo visto però, dal punto di vista formale questo è propriamente un primo movimento di sonata, quasi da manuale, e il suo essere fantasia va inteso da un punto di vista estetico e concettuale, nella sua potenza evocatrice di immagini, naturali e psicologiche. Come un paesaggio con rovine, come un ritratto in giardino. Siamo infatti in pieno Romanticismo e la potenza evocatrice dell’arte gioca un ruolo fondamentale nella psicologia degli artisti dell’epoca.
Hatten, in un eccellente articolo pubblicato qualche anno fa da Ashgate, evoca il carattere pastorale di questo movimento e lo mette in relazione con la produzione poetica e pittorica dell’epoca. Spiega come il concetto di Pastorale sia cambiato in modo fondamentale in pochi anni, dal Classicismo al Romanticismo: non è più la capacità dell’artista d’osservare la Natura e il suo virtuosismo nel riprodurla fedelmente nell’opera d’arte che interessa il pubblico, ma piuttosto la sua capacità di mettere in relazione la Natura con l’animo umano. Ed è così, a mio avviso, che va letto questo movimento: come un’evocazione, solenne e al tempo stesso fragile, di un paesaggio naturale che si fa specchio dell’animo umano, riproducendone tutte le esitazioni, gli slanci, i ricordi, la speranza, le delusioni...
Pensate ai primi accordi del brano, nobili e maestosi come alberi secolari, smossi appena dal vento delle crome. Come il dubbio, tutto umano, si insinua d’un tratto in questo paesaggio sereno e come, in poche battute, il cielo s’annerisce e diventa desolato e tetro, sorta di pensiero nero che attraversa la mente, e come infine la grandezza dell’inizio si riprende, cresce maestosamente e lascia finalmente spazio all’evocazione della danza, introdotta dal secondo tema, che rappresenta, per contrasto alla solitudine fiera del primo tema, la socialità. Da un esterno ci siamo spostati in un interno. Questa danza cresce e diventa un turbine, un’ebbrezza dimentica di convenzioni che termina in una vertiginosa caduta che ci riporta bruscamente alla realtà. Il tema conclusivo è una sorta di riflessione a posteriori sull'esposizione, appena passata; una sorta di morale della favola, pronunciata troppo presto, cioè prima dell'irrompere dello sviluppo, così repentino, così inaspettato, violento e selvaggio. Il primo tema, placido e sereno, si ribella contro sé stesso e si allontana dal suo perno armonico fino a coprire distanze vertiginose, preso in un’opposizione col secondo tema che diventa contrapposizione psicologica di stati d’animo contrastanti. La riesposizione riporta la calma dopo la tempesta violentissima dello sviluppo.
Un equilibrio perfetto regge adesso tutti gli elementi del quadro. L’inquietudine fugata, il dubbio represso. L’inquadratura finale rievoca il paesaggio maestoso dell’inizio. Al tramonto.